Actos Complementarios FIT 2017
Escenarios, fronteras e identidades en cambios. …otra vez entre clásicos y contemporáneos

Escenarios, fronteras e identidades en cambios. …otra vez entre clásicos y contemporáneos

XI Encuentro de Investigación Teatral Cruce de Criterios

El FIT de Cádiz persiste en su voluntad de mantener, sostener y generar nuevos puentes para el intercambio entre los escenarios iberoamericanos. Notables cambios aparecen en la edición 32 del festival, los cuales, no obstante, continúan estimulando nuestras permanentes urgencias de participación e intervención en las dinámicas artísticas, culturales, sociales y políticas del teatro y las artes escénicas de nuestra región. Por ello apostamos una vez más por el cruce de criterios con el mismo afán de siempre: comprendernos mejor, para hacer las cosas un poco mejor.

La muestra de la presente edición es diversa y contrastante. Crisis humanas y sociales, migraciones, fronteras, identidades amenazadas y voluntades que se niegan al silencio y la resignación, son ejes temáticos que transitan en los discursos y los tiempos plurales que nos convocan desde los distintos escenarios reunidos en Cádiz este año. Voces e imágenes que van y vienen. Ideas y problemáticas que retornan o se renuevan. Demandas sociales y creadoras que hacen perdurable la pertinencia de los relatos escénicos y sus correspondencias críticas y reflexivas. De esta savia se nutre el cuerpo vivo de la 32 edición del FIT de Cádiz.

Por ello el XI Encuentro de Investigación Teatral Cruce de Criterios y los Foros de Creadores, una vez más confrontarán imágenes, vivencias y reflexiones como un gesto sencillo de aportaciones al trabajo cotidiano de los hacedores del acto teatral en nuestros países. 

Coordinación general
Eberto García Abreu (Cuba) 
Teatrólogo. Doctor en Ciencias sobre Arte, especialidad en Arte Teatral. Licenciado en Teatrología y Dramaturgia por la Universidad de las Artes, ISA de La Habana, donde es Profesor Titular y Jefe del Departamento de Teatrología y Dramaturgia de la Facultad de Arte Teatral. Investigador Auxiliar de la Academia de Ciencias. Asesor teatral de Teatro Viento de Agua, Argos Teatro y Teatro El Portazo. Coordina el Encuentro de Investigación Teatral Cruce de Criterios y los Foros de Creadores del FIT de Cádiz.  Miembro de la AICT. Dirige Traspasos Escénicos. Núcleo de Prácticas Creativas. 

Lugar: Casa de Iberoamérica y Hotel Tryp Cádiz La Caleta
Fecha: 23 al 27 y 28 de octubre
Hora: 10:00 a 12:15

23 Oct 2017

10:00 a 12:15
Panel 1

Teatros e intervenciones sociales y políticas (I)

Cuerpo migrante y dispositivos de frontera en el imaginario teatral mexicano

Esta ponencia tiene como objetivo revisar críticamente algunas obras capitales del teatro mexicano donde sigilosamente se ha planteado al cuerpo migrante como límite político, pero también como posibilidad de surgimiento de un sujeto emancipado que se opone con su existencia y resistencia a los dispositivos fronterizos, los cuales pretenden una doble funcionalidad: frenar a la inmigración y, por otra parte, decir a los ciudadanos: “El estado te protege”. La revisión de las obras implica un arduo trabajo de selección si consideramos que el teatro mexicano desde los años treinta del siglo pasado ha tomado la tragedia migratoria como punto de partida (por tanto de naturaleza nómada) para presentar esta problemática que hoy, desde la escena, consolida vínculos dialogales con otras geografías e imaginarios. Así, a partir de la idea de un cuerpo migrante es que el teatro fronterizo presenta y problematiza el eslogan: “We didn´t cross the border, the border crossed us”. Esta idea en el contexto de la globalización, nos permite mirar la tragedia migratoria más allá de su inscripción local como un fenómeno que atraviesa sujetos y sociedades en la llamada era de las migraciones.

Rocío Galicia (México)

Investigadora titular del Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli (México), donde ha desarrollado su trabajo en torno a las líneas de investigación: dramaturgias fronterizas, escrituras de violencia y procesos creativos en el teatro. Ha publicado cinco libros de su autoría y más de un centenar de artículos y ensayos en libros y revistas especializadas. Asimismo, se ha desempeñado durante los últimos diez años como profesora en diversos posgrados en teatro, literatura y artes. Actualmente es consultora en el área de Teatro del Instituto Internacional para la Acreditación de la Calidad de programas universitarios. 

Teatrar la política

Acerca de cómo el teatro cubano más reciente está teatrando, por medio de una memoria crítica, una amplia variedad de acontecimientos del pasado, a través de los cuales proyecta una postura política que es a la vez rescritura y reafirmación de identidades.

Vivian Martínez Tabares (Cuba)
Crítica e investigadora teatral, editora y profesora. Licenciada en Teatrología por el Instituto Superior de Arte, en La Habana, y Doctora en Ciencias sobre Arte por la misma institución. Miembro de la UNEAC y de su Consejo Nacional, de la AICT, desde el 2000 dirige la revista Conjunto y la Dirección de Teatro de la Casa de las Américas, desde donde cura y organiza la Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral. Ha publicado cuatro libros sobre teatro y cuatro antologías. Es autora del ensayo sobre teatro de Latinoamericana. Enciclopedia Contemporánea de América Latina y el Caribe (Boitempo, 2006, y Akal, 2009). Trabajos suyos han sido recopilados en antologías sobre teatro, y colabora regularmente con publicaciones teatrales y culturales cubanas y de la América Latina, EE.UU. y Europa. Profesora Titular del ISA, imparte un Seminario de Crítica en la Facultad de Arte Teatral. Ha sido docente de la EICTV, en Cuba; del Instituto Dragao do Mar en Brasil, y ha impartido conferencias en universidades de la América Latina y Europa, así como en cursos de verano en Cuba, para varias universidades estadounidenses. Fue becaria del Programa "Caribe 2000" en la Universidad de Puerto Rico (1996-97). Es miembro del Consejo Asesor de la Editorial Letras Cubanas. Ha recibido reconocimientos profesionales y la Distinción por la Cultura Cubana y las medallas Abel Santamaría y 23 de agosto, de su país; la Medalla por el 35 aniversario del CELCIT, y fue electa Asociada Distinguida en el rubro de investigación (2012-2014), por el Instituto Hemisférico de Performance y Política, en EE.UU.

Teatro y política en la sociedad peruana del "post".
Este ensayo se propone articular los conceptos de la política/ lo político, siguiendo la distinción planteada por distintos autores (como Ranciére, Proaño, Encinas) para detectar cómo responde el teatro en el Perú actual –coincidiendo o recusando--, ante el discurso exitista del poder, además de un cierto sector de públicos que le hace eco, que ha asumido que la sociedad peruana está situada en una etapa histórica post conflicto, post pobreza, post utópica y hasta post política. Haremos una revisión crítica sobre qué tipo de sociedad escenifican ciertas obras recientemente creadas y exhibidas en los circuitos de Lima. A través de sus formas de representar las relaciones de poder, las aspiraciones y las tribulaciones de sus personajes, estableceremos diálogo con quienes han asumido, de manera un tanto mecanicista, que la violencia desatada en Conflicto Armado Interno ha sido superada y que, por tanto, estaríamos en un momento de post memoria. Entre otras posiciones la que sostiene que la pobreza es un fenómeno casi superado y prioriza la agenda nacional del acceso a la OCDE, como signo de un supuesto desarrollo. Entrelazadas con estas ilusiones, están aquellas que proponen que el país no debe dejarse tentar por ninguna visión desarrollista que pueda disentir con el fundamentalismo mercadocrático imperante. Que el Perú ha superado la tentación de las utopías y que, incluso, aspira a un modelo apolítico (si tal cosa fuera posible) que ponga las decisiones de gobernanza y política pública en manos de una tecnocracia superadora de la dinámica política. 

Percy Encinas C. (Perú)
Especialista en Cultura, Teatro y Literatura. Doctorando por la Universidad de Buenos Aires en Teoría e Historia de las Artes. Magíster en Gerencia Social por la PUCP. Licenciado en Literatura por UNMSM. Diseñó la Carrera de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur, de la que fue su primer director. Fundó el Festival UCSUR de Teatro Internacional y actualmente dirige el Festival Internacional de Saberes Escénicos (FISABES). Preside el Congreso Internacional de Estudios Teatrales que coorganizó con la PUCP, UNMSM y ENSAD. Es docente en los posgrados de la Universidad Ricardo Palma y de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Director de Investigación de la ENSAD. Ha sido director de proyectos en Asociación Iberoamericana de Artes y Letras (AIBAL). Además de publicar artículos académicos, es columnista de opinión semanal del diario El Comercio. 

Moderador: Eberto García Abreu (Cuba)

24 Oct 2017

10:00 a 12:15
Panel 2

Identidades y discursos en tránsito (I)
Teatro y grieta. Espacios de discusión y denuncia en el teatro de Buenos Aires.

La pregunta que se presenta a la hora de discutir sobre la producción teatral para escenarios sociales en crisis pone en relieve la coyuntura política específica de cada escenario en cuestión. Esta breve ponencia intenta informar y discutir sobre los obstáculos y desafíos qué actualmente se plantean dentro de nuestras comunidades teatrales, prestando especial atención a la escena teatral argentina. Actualmente Argentina está atravesando una etapa compleja y preocupante producto de las políticas del nuevo gobierno neoliberal liderado por Mauricio Macri y acompañado por personajes provenientes de los círculos más acérrimos del conservadurismo económico. La intención es brindar un panorama actualizado de la situación actual a modo de relevo y denuncia ante el embate de las políticas actuales contra la escena cultural y el estado de vaciamiento y abandono de los establecimientos teatrales más importantes del país.

Ariel Gutiérrez (Argentina)
Docente e investigador teatral. Realizó su formación teatral en la Ecole International de Teatre Jacques Lecoq y en LISPA (London International School of Performing Arts). En Buenos Aires estudió dramaturgia con Mauricio Kartun y dirección teatral con Ruben Szuchmacher. Pedagógicamente participó de talleres en Timbre 4 con Claudio Tolcachir y el Sportivo Teatral, con Ricardo Bartís. Doctorado en la Universidad de MIami en Lenguas Modernas y Literatura, actualmente reside en Berlín donde se desempeña como docente en LISPA (London International School of Performing Arts - Berlin campus).

Justicia social interdisciplinaria: arte y teatro
Esta propuesta teje un camino difuso en múltiples direcciones entre el arte performativo, narrativas de una guerra civil, estudios culturales, teatro, derechos humanos y otras maneras de aproximación al activismo político de las artes teatrales en Latinoamérica. Visualmente ricos, tales conflictos desarrollan una metodología que registra diversas contestaciones culturales a la violencia, convirtiéndolas en imágenes duraderas, incrementando las posibilidades de un efectivo lenguaje interdisciplinario, y ofreciendo un mejor entendimiento de la complejidad de las violaciones de derechos humanos. Por medio de una alianza simbiótica, el arte y el teatro se convierten así en un instrumento contra la guerra, el genocidio, los desplazamientos humanos, la impunidad y la amnesia. Tanto en Colombia como en Minnesota, Voice to Vision, The State of Iberoamerican Studies y la Corporación Colombiana de Teatro propician un fórum que combina la academia tradicional y el teatro con las diversas narrativas politizadas provenientes de sus comunidades en riesgo. El programa entrevista a experimentados directores teatrales y activistas como Patricia Ariza, Carlos Satizábal, Arístides Vargas, Davide Carnevali, Ernesto Silva, Fredy Frisancho, Eduardo Cabrera, Pepe Bablé, transformando sus reflexiones en itinerantes instalaciones artísticas para reproducir sensorialmente la memoria sublimada de una cadena de desastres humanos en Europa, Asia, Africa y Latinoamérica.

Luis A. Ramos-García (Estados Unidos-Perú).
University of Minnesota. Investiga las diversas funciones de la memoria, la política, el teatro latino/ hispanoamericano, los derechos humanos y la justicia transicional. Dirige el The State of Iberoamerican Studies Series y la beca Fulbright (Minnesota). Sus recientes libros son Panorama de las artes escénicas ibérico y latinoamericanas: Homenaje al FIT de Cádiz; Posmodernismo y teatro en América Latina: Antología crítica; Una montaña en el Horizonte: Los Audaces; y con Vivian Martínez Tabares, Textos de Santiago Garcia y de / sobre el teatro de La Candelaria en la Revista, Conjunto. Invitado por la Casa de las Américas (Cuba) a ser jurado teatral en el 2016, en el 2017 recibió el President’s Award for Outstanding Service; el Joan Aldous Award; y el prestigioso Grand Challenges Research Award.

Cuerpos e identidades. 
Fenomenología de la presencia escénica en la 37 Muestra Nacional de Teatro de México 
En la ponencia se tomarán como ejemplo algunos espectáculos de la 37 Muestra Nacional de Teatro de México (sobre todo el Ricardo III de la Compañía de Teatro Penitenciario de Santa Martha Acatitla y Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató, de Teatro Bárbaro) para tratar la cuestión de la presentación y representación de los cuerpos en escena. Punto de partida del análisis serán los ensayos Ética y representación de José Antonio Sánchez y La estética de lo performativo de Erika Fischer-Lichte, donde la teórica alemana marca la diferencia entre espacio performativo y espacio escénico y entre los conceptos de encarnación y corporización.

Davide Carnevali (Italia) 
Autor y teórico, doctor en Artes Escénicas por la Universitat Autònoma de Barcelona con un período de estudios en la Freie Universität Berlin. Ha sido galardonado, entre otros, con el Premio nacional de nueva dramaturgia italiana – “Premio Riccione” (2013); con el premio de “Les journées de Lyon des auteurs” (2012); con el premio “Theatertext als Hörspiel” en el Theatertreffen Stückemarkt de Berlín (2009). Sus obras han sido presentadas en diferentes temporadas y festivales internacionales y se han traducido a una docena de lenguas. Actualmente es titular del curso de Teoría y Dramaturgia en la Academia de Arte Dramático “Paolo Grassi” de Milán e imparte talleres y clases magistrales en diferentes países. Forma parte del Comité de Dramaturgia del Teatre Nacional de Catalunya y del consejo de redacción de las revistas “Hystrio” (Milán), “Pausa” y “Estudis Escènics” (Barcelona). Su ensayo Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo acaba de publicarse por la editorial mexicana Paso de gato, en coedición con el Institut del Teatre de Barcelona.

El adulto mayor en el teatro de Lima. Su representación en dos casos de personajes con Alzheimer
La relación de los adultos mayores y el teatro en el Perú y, especialmente, en Lima es múltiple. Me interesa analizar la sorprendente capacidad de trabajo de algunos teatristas que no solamente pertenecen al segmento etario de los adultos mayores, sino que incluso pertenecen al tercio de mayor edad, es decir, aquellos que traspasan los ochenta años. Otro objeto de estudio es el interesante fenómeno de ciertos públicos clasemedieros que frecuentan el teatro y que, incluso, en muchos casos lo han descubierto como actividad propia después de su jubilación. En esta investigación revisaré la construcción de personajes adultos mayores específicamente con diagnóstico de enfermedad de Alzheimer. Haré una descripción comparativa en el diseño del personaje “el padre”, en la obra del mismo nombre de Florian Zeller y el padre de la obra Financiamiento desaprobado de Tirso Causillas, ambas montadas en Lima, en el presente año 2017. Especialmente exploraré la caracterología que se desprende de la construcción de esos personajes y su encarnación por los respectivos actores contra la caracterología médica que describe dicha enfermedad. A partir de este cotejo comparativo propondré valoraciones críticas sobre la representación que plantean de los adultos mayores en el teatro de la ciudad. 

Vanessa Carrillo Sarmiento (Perú)
Médico Cirujano colegiada, egresada de la Universidad Científica del Sur, con postgrado en Neurociencias por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, con más de 8 años de experiencia en Atención Primaria a adultos mayores. Interesada en las líneas de investigación asociadas al bienestar y envejecimiento exitoso, así como la relación de las neurociencias con las artes y otros campos del desarrollo humano. Ha sido invitada por la Escuela Nacional de Arte Dramático a diseñar, codirigir y exponer el seminario Neurociencias y Teatro. Actualmente, labora en el Programa de Atención Domiciliaria de Essalud (Lima), donde atiende pacientes discapacitados y adultos mayores. Es miembro del equipo de investigación interdisciplinaria de Neurociencias y Artes de la Asociación Iberoamericana de Artes y Letras (AIBAL).

Moderadora: Claudia Villegas (Estados Unidos)

25 Oct 2017

10:00 a 12:15
Panel 3

Fronteras, migraciones y relatos escénicos
El teatro latinoamericano cruza fronteras

El objetivo de la ponencia es llama la atención y motivar la investigación académica hacia el proceso fascinante del aumento de grupos teatrales latinoamericanos actuando en Europa o de textos teatrales de autores latinoamericanos puestos en escena tanto en Europa como en Estados Unidos y otros países de América. La ponencia postulará algunos factores históricos y económicos, a la vez sugerirá características de los espectáculos en sí. Se propondrá un “estética de exportación” como rasgo común de varios de los espectáculos de éxito.

Juan Villegas (Estados Unidos/Chile)
Doctor. Research Professor, University of California, Irvine;  Profesor Honorario, Universidad de Chile; y Director Gestos. Revista de Teoria y práctica del teatro. Fue Jefe de Departmento de Español y Portugués. Universidad de California, Irvine (1974-1977 y 1987-1995). Autor de numerosos libros y ensayos sobre teoría literaria, teoría del teatro, prácticas escénicas y  literatura chilena, hispanoamericana y española. Algunos de sus libros son: Para un modelo de historia del teatro,  Para la interpretación del teatro como construcción visual, Pragmática de las culturas en América Latina, and Historia multicultural del teatro y las teatralidades de América Latina (2005) e Historia del teatro y las teatralidades en América Latina  (2012) Es autor de cuatro novelas:  La visita del presidente o adoraciones fálicas en el valle del Puelo (1983 and 2005),  Las seductoras de Orange County (1989), Oscura llama silenciada (1993) y Yo tenía un compañero (2009). Villegas recibió el Premio Ollantay (Venezuela 1990) y el Premio Armando Discépolo (Argentina 2010) por su investigación en el teatro latinoamericano.

Cruce de fronteras y de identidades mexicanas en los escenarios iberoamericanos de Cádiz: El viaje de los cantores, Mendoza y Del manantial del corazón.
Presentes en distintas emisiones del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, tres obras mexicanas abordan, cada cual a su manera, esa cualidad traslaticia de las fronteras culturales, geográficas o temporales, raciales o de género, que recorren con furia apocalíptica las crisis humanas y sociales de hoy: Identidades que no se resignan al silencio, resisten y prevalecen en el sitio a toda costa, u optan por transitar las rutas migratorias del peligro, la difícil sobrevivencia y los muros infranqueables de la discriminación. El viaje de los cantores, de Hugo Salcedo, dirección de Ángel Norzagaray, se refiere a la corriente migratoria que, a partir de la anexión de Texas, Arizona y Nuevo México a la Unión Americana y hasta nuestros días, cruza de manera irrefrenable la frontera entre México y Estados Unidos. Mendoza, de Antonio Zúñiga y Juan Carrillo, dirección de este último, hace una reescritura/recreación del Macbeth de Shakespeare, para revisar la ambición por el poder en el conflictivo lapso de la Revolución Mexicana. Del manantial del corazón aborda un tema de identidad mestiza y de género femenino: los ritos que rodean la concepción, el embarazo, el nacimiento y, en especial, la muerte de los niños en el Mayab.  

Enrique Mijares (México)
Doctor en Letras Españolas por la Universidad de Valladolid, España; becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte y profesor de tiempo completo en la Universidad Juárez de Durango. Su obra Enfermos de esperanza obtuvo el premio Tirso de Molina 1997, Su investigación acerca del teatro fronterizo se ve reflejada en sus libros La realidad virtual del teatro mexicano, La realidad hipertextual del teatro mexicano y El espectador conoce el futuro, así como en los volúmenes que contienen sus análisis y la compilación de la producción dramática de Antonio González Caballero, Jesús González Dávila y Víctor Hugo Rascón Banda.  

Cómplices devenidos culpables: en la Clytemnestra de Tadashi Susuki
El maestro y dramaturgo japonés Tadashi Suzuki ha dedicado toda su vida a la búsqueda del restablecimiento de la unidad del cuerpo del actor dentro del contexto de la representación y el descubrimiento de sus capacidades expresivas innatas. Desde los años ’60 Susuki ha trabajado intensamente en la Waseda University de Japón y luego en EE.UU. en la Universidad de Wisconsin y en la Juilliard School de Nueva York. Su búsqueda lo ha llevado a encontrar asombrosos puntos de contacto entre la moderna sociedad japonesa y los antiguos mitos griegos, por ejemplo en sus celebradas versiones de Las Troyanas y Las Bacantes de Eurípides, y ha llegado a ser considerado como uno de los principales artistas del teatro contemporáneo. Esta versión realizada por Rómulo Pianacci fue primeramente leída por los estudiantes de la Universidade de Coimbra, el 24 de febrero de 2017, en el marco del encuentro Clitemnestra a Outra Face De Guerra; y finalmente estrenada en Mar del Plata el 10 de agosto en la apertura del VIII Congreso Argentino e Internacional de Teatro Comparado.

Rómulo Pianacci (Argentina)
Arquitecto, diseñador, autor y director teatral. Investigador y docente en la UNMdP y UNCPBA. Ha publicado, dictado conferencias y cursos en Brasil, Chile, Colombia, Cuba, España, EE.UU., Francia, Italia, México, Portugal y Uruguay. Fundador y Director Artístico del Grupo de Investigación Teatral Güennakén (Gente de la tierra) desde 1982, ha realizado más de cuarenta puestas en escena. Actualmente dirige el Teatro Nova Scæna, dedicado al teatro clásico greco latino. Master of Fine Arts por la Ohio University; Magister Artis en Letras Hispánicas por la UNMdP, en 2007 se ha doctorado de la Universitat de València en el programa Teatro y Literatura Española, Latinoamericana, Portuguesa y Teoría Literaria.

Del teatro como instrumento de intervención política y judicial: “Mateluna” de Guillermo Calderón y otros casos semejantes.
El siglo XXI nos ha proporcionado nuevos discursos teatrales y nuevas formas de utilización y proyección del fenómeno artístico. Si en la centuria pasada, al menos desde Piscator, la escena devino un espacio significativo para la expresión y la lucha políticas, en la actualidad el teatro ha encontrado calidades y relieves que superan la mera ficción y se dirigen directamente a influir en los procesos sociales e inclusive en los judiciales que están en activo y podrían ser modificados en su interpretación y traslación a la opinión pública. Un ejemplo modélico de ello es el espectáculo chileno Mateluna, escrito y dirigido por Guillermo Calderón, estrenado en enero de este año 2017 en Santiago de Chile; aunque también podríamos esgrimir otros casos, como Mi vida después, de Lola Arias, o el muy reciente Sumario 3/94, de Vicente Arlandis, en su doble materialización, como narrativa y como espectáculo teatral que sería estrenado, a fines de septiembre de 2017 en el festival TNT de Terrassa. En todos los casos, los elementos de autoficción son determinantes y significativos.

Nel Diago (España)
Doctor en Filología Hispánica. Actualmente es Profesor Titular en el Departamento de Filología Española de la Universitat de València, donde imparte materias sobre teatro español, teatro latinoamericano y teoríaa y crítica del teatro. Ha sido Vicedecano de la Facultad de Filología de la U. de Valencia, y ha dirigido el Aula de Teatro de esa institución durante varios años. Desde 1999 dirige con José Monleón el Encuentro Internacional de Dramaturgia de La Valldigna. Crítico e investigador teatral, ha publicado numerosos trabajos, algunos de ellos en libros y otros en revistas como Conjunto, Tablas, Teatro XXI, Apuntes, Gestos, Revista Teatral Chilena, El Público, La Escena Latinoamericana, Art Teatral, Primer Acto, Cuadernos de Picadero., Criticón, ALEC,  etc. Ha impartido cursos y seminarios en diversas universidades e instituciones de América y Europa. En 2012 obtuvo el Premio Armando Discépolo de Investigación Teatral

Moderadora: Rocío Galicia (México)

26 Oct 2017

10:00 a 12:15
Panel 4

Teatros e intervenciones sociales y políticas (II)
Sujeto y sociedad en la escena reciente de Argos Teatro

A través de un recorrido por los espectáculos recientes de Argos Teatro, emblemática compañía cubana dirigida por Carlos Celdrán, se va construyendo un itinerario del sujeto social como centro de las ficciones. El encaje del ser humano dramatizado en el contexto político del país, así como la aguda relectura de la Historia propuesta por Argos, se erigen en centro de estas reflexiones.

Abel González Melo (Cuba)
Doctor en Estudios Literarios y Máster en Teatro por la Universidad Complutense de Madrid, así como Licenciado en Teatrología por la Universidad de las Artes de Cuba. Posee una amplia y reconocida trayectoria como dramaturgo y crítico. Entre sus premios recientes se encuentran los nacionales de dramaturgia Virgilio Piñera y UNEAC, en 2014. Actualmente dirige la compañía de teatro de la Universidad Carlos III de Madrid. 

Teatro Universitario Acto Latino: historias del cruce
Acto Latino el grupo universitario de teatro en español de la Universidad de California State, San Bernardino, ha realizado obras de teatro como resultado de una investigación del teatro Campesino en CA y su legado de 50 años. Los estudiantes, en la necesidad de desestructurar discursos de migración que ahondan estereotipos, han buscado nuevas poéticas en estos tiempos difíciles de tensiones raciales y políticas anti migratorias. Por medio del método de la creación colectiva, han remontado, adaptado y hecho vigentes obras canónicas del maestro Luis Valdez, como también han creado nuevos montajes basándose en la historia del cruce y sus propias vivencias.  El teatro ha sido eje reparador y elemento importante para difundir las experiencias y sueños de estos estudiantes de padres migrantes o también denominados de primera generación. A partir de su práctica creativa, sus voces contestatarias han encontrado nuevas cartografías del teatro universitario que cruza fronteras.

Bibiana Díaz (Estados Unidos/Colombia)
Doctorada del programa de Español por la Universidad de California en Irvine, con especialización en literatura y teatro, y énfasis en estudios de género. Bibiana Díaz actualmente es profesora de literatura, teatro y español en la Universidad Estatal de California, San Bernardino. Su investigación sobre la ficción y teatro colombiano, se enfoca sobre cuestiones de género, homosexualidad, discriminación social, violaciones de los derechos humanos y violencia. Además de su pedagogía e investigación, es también Assistant Editor para Gestos, Revista de teoría y práctica de teatro hispánico, al igual que directora de Acto Latino, grupo estudiantil de teatro en español de la Universidad Estatal de California, en San Bernardino.

Documentación: Memoria de la intervención socio-cultural
Documentación: Memoria de la intervención socio-cultural, refiere cómo las organizaciones escénicas son susceptibles a su entorno social, económico y político, más aún, cuando su proyecto creativo contempla diversos procesos con las comunidades. La labor “transformadora y formadora” de las organizaciones, precisa de herramientas que les permitan acordar con los otros, revisar sus supuestos, explorar nuevos marcos pedagógicos, consensar y construir de manera conjunta con sus comunidades. Abordar las problemáticas de manera diferente, asumidas éstas como la identificación colectiva de alternativas para la construcción de escenarios futuros posibles, a partir de mecanismos de planeación, evaluación y seguimiento, que posibiliten la medición de impactos del trabajo de las organizaciones escénicas con las comunidades. La presentación invita a reflexionar sobre la necesidad de documentar las experiencias de intervención socio- cultural para generar memoria, como elemento fundamental para que el arte y la cultura sigan cumpliendo con su papel transformador de realidades, desde escenarios equitativos en los que las instituciones públicas, el sector privado, las organizaciones civiles y la comunidad aúnen esfuerzos para un mismo fin: la cohesión social.

Sergio Silveti Ayup Rodríguez (México)
Educador, actor y gestor cultural de profesión. Su principal mentor es el Maestro de Clown Jef Johnson, Director del “Jef Johnson´s Lab” de Nueva York. Ha basado su ejercicio profesional en la investigación y práctica del trabajo físico, el cual se centra en el estudio e implicación del cuerpo como herramienta para el juego teatral.  Fundador de la Compañía Teatral Tropa Cachivaches (2009). Actualmente, se desempeña como actor y director escénico de la misma compañía, la cual se dedica al fomento de la lectura desde la creación escénica y la técnica clown. 

Consuelo Salas Leguizamón (Colombia)
Coordinadora de proyectos culturales de alto impacto en instituciones gubernamentales en Colombia y México. Consultora de organizaciones internacionales como la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y el Convenio Andrés Bello (CAB) para la formulación, realización, seguimiento y evaluación de proyectos culturales y educativos. Apoyo profesional en estudios económicos sobre el sector educativo y cultural. Asesora de proyectos de emprendimiento cultural. Consultora en Planeación Estratégica e intervención socio – cultural de organizaciones educativas y culturales. Ponente sobre Marketing Cultural y Planeación de proyectos de intervención sociocultural en eventos académicos de impacto latinoamericano. 

Moderador: Juan Pablo Ricaurte (Colombia)

27 Oct 2017

10:00 a 12:00
Panel 5

Identidades y discursos en tránsito (II)
La saga dramática de Joaquín Mur(r)ieta y la xenofobia y racismo contra los mexicoamericanos.

El tratado de Guadalupe-Hidalgo, firmado el 2 de febrero de año 1848, expandió en un tercio el territorio de los Estados Unidos.  Con él se daba por terminada la guerra México-Americana y se garantizaban los derechos civiles y de propiedad de quienes vivían y trabajaban en un territorio que hasta entonces había sido mexicano. El llamado Golden Rush atrajo a buscadores de oro de todo el mundo, chilenos, peruanos y en, número mayor, de Sonora, México. En este contexto aparece Joaquín Murieta, quien víctima de la xenofobia reinante decide vengarse, convirtiéndose en un temible bandido que es finalmente abatido y su cabeza exhibida públicamente. Murieta se transforma en un personaje legendario de novelas, dramas, romances y corridos. Veremos cómo en los dramas que hay sobre él, con la excepción de uno, es elevado como símbolo de resistencia contra los yanquis a nivel nacional y latinoamericano. Y cómo el poema “Yo soy Joaquín” de Rodolfo “Corky” Gonzales, dramatizado por Luis Valdez y su Teatro campesino, convierte al bandido en un estandarte del Movimiento chicano de los sesenta, que si bien logró darle un sentido más positivo al término chicano, no acabó con la xenofobia en contra los mexicoamericanos y latinos que ha persistido y que de manera alarmante, se ha acrecentado en la era Trump.

Mario Rojas (Estados Unidos/ Chile)
Mario A. Rojas, Ph.D. Profesor Emérito de The Catholic University of America, Washington, D.C. Enseñó Latin American and Latino Studies, teatro latinoamericano, sociosemiótica y narratología. Publicaciones: El FITEI: una mirada utópica del mundo luso-español; Teatro Latinoamericano: De la Colonia a la Postmodernidad (Coeditor con Peter Roster); Semiótica Teatral: teoría y práctica. Edición especial de la Revista Dispositio de The University of Michigan; coeditor con Juan Villegas y Alicia del Campo de Discursos teatrales en los albores del siglo XXI.  Colaboró en la sección de Teatro Latinoamericano de The Handbook of Latin American Studies, The Library of Congress y en The Oxford Encyclopedia of Theatre and Performance.

Del existencialismo al expresionismo subjetivo en el teatro de Mario Cura
Eduardo Cabrera
En las obras de Mario Cura, contrario a parte del teatro representativo de una sociedad patriarcal como la argentina, la utilización de la palabra se hace de manera compartida. Siendo la pareja, hombre/mujer, el elemento central típico de su universo dramático, cada individuo utiliza el discurso de una manera bastante equilibrada. Y muchas veces el autor pone el énfasis en el papel de la mujer, constituyéndose en un sujeto que se desdobla en múltiples personajes. El estilo de Mario Cura se inscribe dentro del discurso poético; si bien no suele escribir los parlamentos en verso, elige cuidadosamente las palabras para crear una atmósfera de gran contenido lírico en el que predomina la expresión del sentimiento subjetivo. Una dramaturgia configurada alrededor de múltiples dimensiones espaciales y temporales, a veces concentrada en el plano onírico, se inscribe dentro de la estética del expresionismo subjetivo. Los personajes de Cura se (auto) construyen por medio de imágenes y a través de las palabras. Y esa configuración se va dando paulativamente a través del recuerdo y de sus sueños, frecuentemente combinando presente, pasado y futuro. 

Eduardo Cabrera (Estados Unidos/Argentina)
Doctorado en Literatura Latinoamericana, con especialización en Teatro, en la Universidad de California, Irvine. Actualmente enseña cursos de Literatura Latinoamericana y Española, Cultura, Teatro, Español Comercial y de castellano en Millikin University, en donde se desempeña como jefe del Departamento de Lenguas Modernas. Publicó numerosos artículos y los libros Teatro argentino. La dirección teatral en Buenos Aires (The Edwin Mellen Press) y Teatro breve para la clase y el escenario (Gyldan Edge), que contiene 7 obras breves de su autoría. Publicó también dos colecciones de cuentos tituladas “Cuentos de inmigrantes en los Estados Unidos,” y “9 Cuentos de inmigrantes en los Estados Unidos.”

Entre la historia y la memoria: The Whipping Man (El Azotador) de Matthew Lopez
En The Whipping Man (El Azotador), Matthew Lopez expone diferentes segmentos que forman parte de la "colcha" nacional, entretejidos en las grandes narrativas fundacionales del país, poniendo de relieve cuestiones éticas y divergencias que forman parte de la todavía a veces no asumida memoria histórica del país. Los dos segmentos colocados aquí en el gran espacio teatral representado por las secuelas inmediatas de la Guerra Civil son la población sefardita judía del sur y los esclavos afroamericanos recientemente liberados. Utilizando las conclusiones del historiador francés Pierre Nora sobre las tensiones entre la historia y la memoria (1989), podemos señalar confiadamente que el recuerdo de López de la guerra entre los Estados Unidos y los Estados Confederados (1861-1865) se ha convertido en un verdadero "sitio de la memoria” (lieux de mémoire) en oposición al “entorno real de la memoria" (milieux de mémoire). Como "la memoria se adhiere a los sitios" en oposición a la historia que "se adhiere a los acontecimientos", lo que estamos contemplando aquí es la contraposición de un sitio público de la memoria (la Guerra Civil) y la encarnación individual de la misma personalizada en los tres personajes de la obra.

Beatriz J. Rizk (Estados Unidos/Colombia)
Profesora, crítica, promotora e investigadora del teatro latinoamericano y del teatro latino en Estados Unidos. Autora de un centenar de artículos publicados en revistas especializadas de las Américas y Europa. Entre sus trece libros publicados figuran: Latin American Popular Theatre: The First Five Centuries (1993); Posmodernismo y teatro en América Latina: Teorías y prácticas en el umbral del siglo XXI (2001); El legado de Enrique Buenaventura (2008); Imaginando un Continente: utopía, democracia y neoliberalismo en el teatro latinoamericano (2 tomos, 2010). Es Latino Senior Fellow del Smithsonian Institute, dirige el Programa Educativo del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami y es miembro de Teatro Avante

Trazos refundacionales: re-escrituras del género en el arte y la historia
La ponencia busca explorar las tensiones entre imagen y palabra, visibilidad y ocultamiento y las fronteras entre arte y teatro en torno a estrategias de re-escritura de la historia que buscan exponer las tensiones entre historia y representación y  la relación entre artes visuales y teatro como locus de construcción de imaginarios sociales. De allí emergen múltiples posibilidades de escritura y re-escritura que ofrece el teatro desde el texto y su visualidad. En Xuarez (2015) Luis Barrrales y Manuela Infante proponen una re-escritura de la historia colonial a partir de una pintura clave del imaginario de la fundación. Desde allí la obra busca instalarse como discurso re-fundacional a partir del cual la mujer, antes invisibilizada se torna en sujeto de la historia, revirtiendo el protagonismo masculino para proponer una nueva lectura de la historia  colonial que re-inscribe a la mujer como sujeto de la acción. Se traza así un recorrido que atraviesa fronteras temporales y espaciales, disciplinares y estéticas para proponer una relectura de la historia en que la mujer aparece como sujeto de la historia desde un presente que propone nuevos sentidos y transforma las posibilidades de interpretación de propio presente augurando nuevos caminos futuros.

Alicia del Campo (Estados Unidos/Chile)
PhD. es Profesora titular (Full Professor) del Departamento de Romance, German and Russian Languages and Literatures en California State University, Long Beach. Antropóloga (U de Chile) y Doctora en Literatura (University of California, Irvine). Es co-directora del Programa de Estudios Latinoamericanos en CSULB. Es autora del libro Teatralidades de la Memoria: Rituales de Reconciliación en el Chile de la transición (Santiago/Minneapolis, Mosquito 2004. Ha publicado numerosos artículos sobre el teatro latinoamericano, las teatralidades sociales y estudios culturales latinoamericanos en Chile, Brasil, España, Alemania y Estados Unidos. En 2008 fundó Teatro al Sur, colectivo teatral dedicado al teatro en español en el sur de California. Como investigadora su trabajo se ha centrado en una mirada interdisciplinaria que une la antropología simbólica y los estudios teatrales en busca de herramientas teóricas y metodológicas que den cuenta de la teatralidad y las teatralidades a través de las que se articula la relación entre el arte como forma de resistencia, la memoria, los derechos humanos y la política. 

Moderadora: Carmen Márquez (España)

28 Oct 2017

10:00 a 12:15
Panel 6

Teatros e intervenciones sociales y políticas (III)
Teatro comunitario y la realidad de un Brasil en grave crisis política.

Abriendo una ventana por donde se podrá visualizar, imaginar situaciones, condiciones de grupos que nacen de la precariedad y la necesidad de comunicación.  Ciudad Tiradentes, SP, “Núcleos de teatro Filho da Dita”, hijos de madres solteras y desamparadas. Formación de jóvenes actores y técnicos para el teatro. “Instituto Pombas Urbanas”, creado por Lino Rojas, origen, el Teatro do Oprimido, Augusto Boal. En Salvador BA, Núcleo Afro de Alagoinhas, teatro y cambomblé, el Coletivo Abdias do Nascimento, Coletivo CAN, grupo teatro experimental negro. Ney Wendell, proyecto “Cuida Bem de Mim”. Marcelo Palmares, Instituto Pombas Urbanas. En Rio de Janeiro, III° Encontro Internacional de Teatro Comunitario. Compañia “A Trupe Olho da Rua” Santos- SP, Caravana pelo Mundaréu, Mambembe. El Imperio que Nunca Duerme.  Ciudad de Dios, Rio J.  El teatro comunitario, movimiento cultural, produce reflexiones sociales y políticas.

Isabel Ortega (Brasil/España)
Isabel Ortega, hispano- brasileña, actriz, directora, investigadora, crítico, autora, conferencista, gestora de eventos y traductora. Formación en Psicodrama con Henry Tourau por el Instituto Goethe. Dirección de actores – con el director ruso – Arkadi Nimerowisk. Curso del Actor’Studio – con Lee Streberg- EUA. Especialización en dirección de actores – teatro Jécov – Madrid- maestro Ángel Gutiérrez. RESAD – Real Escuela Superior de Arte Dramático – Madrid. CPT, centro teatral de pesquisas teatrales – Grupo Pau Brasil – director Antunes Filho. Actriz del espectáculo teatral, “Macunaíma” y Nelson Rodrigues el Eterno Retorno. Formación: Musicoterapia – estudios de canto con el maestro Eládio Gonzáles. Premio “Gobernador del Estado”, como actriz, con la obra, La Exepción y la Regla de B. Brecht. Creadora y directora de la X Jornada Internacional de Mujeres Escritoras. Miembro del Consejo Director de MIRADA- Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Santos – Brasil. 

Las estéticas teatrales a partir de las fronteras invisibles y la migración interna   en la ciudad de Medellín y algunos municipios de Colombia 
Se presentan los recorridos estéticos de algunos grupos de teatro de Medellín y otras zonas de Colombia que han trabajado con los temas del conflicto colombiano, con énfasis en la migración interna, junto al análisis de otras obras urbanas que han abordado la problemática de las fronteras invisibles en nuestras ciudades. Se busca resaltar la mirada que los artistitas de teatro y danza han propuesto sobre estas problemáticas urbanas de migración y fronteras, a partir de un resultado estético y humano notable, lo que les ha permitido ser una fuente de reflexión sobre nuestra violencia, y ofrecer su aporte a la nueva etapa del posconflicto que estamos iniciando en Colombia. 

Juan Pablo David Ricaurte Londoño (Colombia)
Es el director del fondo editorial A teatro-Atrae y de la publicación A teatro Revista. Docente universitario en cátedras de teatro y gestión cultural, investigador teatral, gestor y productor escénico, narrador oral. Ha sido asesor, consultor en políticas culturales de los gobiernos del municipio de Medellín y jurado de los programas de fomento y estímulo en Colombia. Es colaborador y articulista en varias publicaciones de artes escénicas de Iberoamérica, director ejecutivo de Atrae y Asencultura. Asesor y director de festivales de teatro y danza


Un teatro neurálgico
La interrogante de si es posible que exista un buen teatro fuera de las urbes capitalinas, especialmente en Cuba, se hace neurálgica, incluso, para muchos hasta capciosa. Los diálogos que entorno a este entresijo se generan pueden conducirnos por caminos “desérticos” dentro de la investigación teatral, y sería posible transitar por esos espacios agotados entrando en contacto con experiencias diversas en el intento de romper las inercias provincianas que lo impiden.   

Roger Fariñas Montano (Cuba)
Crítico de teatro y asesor dramático. Cursa Teatrología en la Facultad de Arte Teatral de la Universidad de las Artes (ISA). Actualmente es asesor dramático de los grupos Cabotín y Agón Teatro. Artículos suyos aparecen editados en diferentes publicaciones especializadas de su país, como Tablas, La jiribilla, El comején, Mar desnudo, Esquife 2.0, Escambray y la Assitej, entre otros. Es miembro de la Asociación Hermanos Saíz y del Consejo Nacional de las Artes Escénicas. 

La República Light
La nueva creación de Teatro El Portazo, sigue el propósito de permanecer, resistir y crecer con el teatro y las artes, en diálogos con las prácticas sociales y las acciones que pretenden atravesar e intervenir los territorios de la política y lo político en el teatro y la sociedad. Nos hacemos preguntas y nos lanzamos a inventar estrategias para hacerlas presentes entre nuestros espectadores. No tenemos respuestas. Solo defendemos el derecho a decir, a revisar, a reciclar, a revolucionar, a partir y volver. Echamos mano a todo lo que nos es útil para nuestros objetivos de comunicar, transformar y liberar no solo las ideas, sino los cuerpos y los sentimientos. Seguimos haciendo lo que podemos: teatro.

Pedro Franco (Cuba)
Actor y director de Teatro El Portazo. Egresado de la Escuela Nacional de Artes. Vicepresidente de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), organización no gubernamental encargada de la promoción del arte joven cubano. Se ha desempeñado como actor en diversas agrupaciones “Pequeño Teatro de la Habana”, “Lirico Nacional de Cuba”, Cía. Teatral “El Mejunje”, “Teatro El Mirón Cubano”, “Teatro Icarón” entre otros. Con la trilogía “En Zona” a partir de textos de jóvenes dramaturgos cubanos ha transitado por el circuito teatral de la Isla obteniendo varios premios y reconocimientos.  La agrupación que dirige desde el 2011 sostiene una permanente investigación sobre las estrategias de producción y programación de sus espectáculos, discursando desde la escena sobre tópicos que condicionan lo que hoy llamamos como zona emergente del Teatro Cubano. Actualmente es profesor de Arte Dramático en la Universidad “Camilo Cienfuegos” de la ciudad de Matanzas.

Moderador: Abel González Melo (Cuba)
“Airear la casa”. Abuso y sexualización de las relaciones de trabajo en las artes escénicas

“Airear la casa”. Abuso y sexualización de las relaciones de trabajo en las artes escénicas

XXI ENCUENTRO DE MUJERES DE IBEROAMÉRICA EN LAS ARTES ESCÉNICAS

Lugar: Centro Integral de la Mujer. Pza. del Palillero
Fecha: del 20 al 25 de octubre
Hora: 10:00 a 22:00

20 Oct 2017

10:30 a 21:30
10:30   INAUGURACIÓN con representantes del Ayuntamiento de Cádiz y Fundación SGAE, FIT y Mariana González Roberts, coordinadora del encuentro.

11:00   Presentación del libro de Actas XX EMIAE "ESTÉTICA, ÉTICA, AFECTIVIDAD Y POLÍTICA” Re-imaginando la creación y gestión artística desde los bordes, con la presencia de la editora Dora Sales, coordinada por Mariana González Roberts. Con el apoyo de la Fundación SGAE.

11:30   Presentación de la exposición de fotografías “XX años de EMIAE”.

12:00   Presentación del tema del Encuentro con la participación de especialistas del Centro Integral de la Mujer. Elección de los grupos de trabajo.

12:30 – 14:00   Grupos de trabajo.

15:00   ALMUERZO

18:00   Paseo poético por Cádiz. Salida desde el hotel.

19:00   Calle Ancha a Plaza del Falla
“Futurismo galáctico”. Cía.  TCHYMINIGAGUA. Colombia

20:30   Pza. del Falla
“De Traca” A TEMPO DANSA. España  

21:30   Gran Teatro Falla
“Fuenteovejuna”. TNT-EL VACIE. España

21 Oct 2017

10:00 a 22:00
10:00 – 14:00   Grupos de trabajo 

15:00   ALMUERZO

20:00   Sala Central Lechera
“Hij@s de la Bernarda”. TOJUNTO. Puerto Rico

22:00   Teatro del Títere La Tía Norica
“Rabiosa Melancolía” Teatro la Morena. Uruguay.

22 Oct 2017

10:00 a 21:00
10:00 – 13:00   Grupos de trabajo 

13:00 – 14:00 Cierre

15:00   ALMUERZO

19:30   Gran Teatro Falla
“Contraescena” THE FUNAMVIOLISTAS. España

21:00   Teatro del Títere La Tía Norica
“Si vos no hubieras nacido” LA CACHADA TEATRO. El Salvador
FOROS DE CREADORES

FOROS DE CREADORES

Lugar: Casa de Iberoamérica y Hotel Tryp Cádiz La Caleta
Fecha: 23,25,27 y 28 de octubre
Hora: 12:30 a 14:30

23 Oct 2017

12:30 a 14:00
• THE FUNAMVIOLISTAS
    “ContraEscena””
    Dramaturgia: Osqui Guzmán, Leticia González de Lellis, Ana Hernández, Mayte Olmedilla y Lila Horovitz
    Dirección: Osqui Guzmán y Leticia González de Lellis

• A TEMPO DANSA
    “DeTraca”
    Coreografía y dirección: Pepa Cases 

• TNT- EL VACIE
    “Fuenteovejuna”
    de Lope de Vega con dramaturgia de Antonio Álamo
    Dirección: Pepa Gamboa

• TOJUNTO
    “Hij@s de la Bernarda”
    Dramaturgia y dirección: Rosa Luisa Márquez

• LA MORENA
    “Rabiosa melancolía” 
    Fábula musical para adultos que no quieren envejecer
    Dramaturgia y dirección: Marianella Morena

• LA CACHADA TEATRO
    “Si vos no hubieras nacido”
    Dramaturgia y dirección: Egly Larreynaga

25 Oct 2017

13:00 a 14:00
• TEATRO BÁRBARO
    “Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo me lo mató”
    Variaciones escénicas sobre Chihuahua-Shakespeare
    Creación colectiva 
    Dirección: Fausto Ramírez

• L´EXPLOSSE DANZA 
    “Tu nombre me sabe a tango”
    Dramaturgia: Juliana Reyes
    Coreografía y dirección: Tino Fernández

• OSQUI GUZMÁN Y LETICIA GONZÁLEZ DE LELLIS
    “Bululú”. Antología endiablada
    de Leticia González de Lellis y Osqui Guzmán
    Dirección: Osqui Guzmán

27 Oct 2017

13:30 a 14:30
• COMPANHIA DO CHAPITO
    “Electra”
    Creación colectiva basada en diferentes versiones de Electra
    Dirección: Claudia Novoa y José Carlos García

• COMPAÑÍA INTERDRAM
    “Rocha”
    de Felipe Vera
    Dirección: Ana López Montaner

28 Oct 2017

12:30 a 14:00
• GRUPO MALAYERBA
    “El corazón de la cebolla”
    Dramaturgia, Puesta en Escena y Dirección: Arístides Vargas

• LA CONGREGACIÓN TEATRO
    “Camargo”
    Creación colectiva
    Dramaturgia y dirección: Johan Velandia
PRESENTACIÓN DE PUBLICACIONES

PRESENTACIÓN DE PUBLICACIONES

Lugar: Hotel Tryp Cádiz La Caleta
Fecha: 23,24,26 y 27 de octubre
Hora: 16:30 a 17:45

23 Oct 2017

16:30 a 17:45
“Integraciones: nuevas tecnologías y prácticas escénicas” 
España y las Américas. Santiago: Cuarto Propio, 2017.
Autora: Claudia Villegas Silva 

Presenta: Claudia Villegas Silva 
“Grotowski & compañía: fuentes y variaciones”
Autor: Ludwik Flaszen

Presenta: Eduardo Cabrera

“Todo ya está aquí, aunque no se vea. Enrique Vargas y el Teatro de los Sentidos”
Autora: Maria Pagliaro
 
Presenta: Carlos Bernal

“Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo”
Ciudad de México, Paso de Gato e Institut del Teatre de Barcelona, 2017
Autor: Davide Carnevali

Presenta: Davide Carnevali

“Actas XX EMIAE "Estética, ética, afectividad y política. Re-imaginando la creación y gestión artística desde los bordes”
Edición de Dora Sales, coordinada por Mariana González Roberts. Con el apoyo de la Fundación SGAE.

Presenta: Mariana González Roberts

24 Oct 2017

16:30 a 17:45
“Perspectivas políticas de la escena latinoamericana. Diálogos en tiempo presente”
Editorial Argus-a. Buenos Aires, Los Ángeles. 
Lola Proaño-Gómez y Lorena Verzero eds.

Presenta: Eberto García Abreu

“Teatro lebrijano 1966: Un despertar de la conciencia”
Ed. Niebla - mayo 2017
Autor: Raúl Limón

Presenta: Ángela Mendaro

“Puesta en escena y otros problemas de teatro” 
Autores varios. 

“Dramaturgia peruana del conflicto armado interno”
Autor: Percy Encinas,

“El Arte del Hombre”
Autor: Ernesto Ráez

Presenta: Percy Encinas

25 Oct 2017

16:30 a 17:45
Revista Conjunto Nro. 184

Presenta: Vivian Martínez Tabares

A teatro Revista Nro. 24   
“Dramaturgia en el espejo. Escribir tu propia realidad” 
Tercera edición 2016
Editorial: Fondo editorial: Academia de teatro de Antioquia, Instituto de cultura y Patrimonio de Antioquia 

“Dramaturgia en el espejo. Escribir tu propia realidad”.
Recuperando la memoria y generando pensamiento   
Cuarta edición 2017
Editorial: Fondo editorial: Academia de teatro de Antioquia, Instituto de cultura y Patrimonio de Antioquia

Presenta: Juan Pablo Ricaurte 
Publicaciones de Artezblai

“Catálogo de cicatrices”
Autor: Eusebio Calonge 

“Nadie“
Autor: Manu Medina 

“Carne“
Autor: Fer Montoya 

“Cena de pájaros” 
Autora: Cristina Peregrina

Presenta: Carlos Gil

27 Oct 2017

16:30 a 17:45
“Jorge Díaz: el anarquista insomne. Biografía de un hombre de teatro”
Santiago de Chile, Ediciones Universidad Finis Terrae, 2016
De Eduardo Guerrero del Río

Presenta: Eduardo Guerrero 

“Repensar la organización de un festival – Reflexiones en voz alta desde la experiencia y las lecturas”  
De Pau Llacuna i Ortinez
Prólogo de Guillermo Heras
Ediciones DocumentA / Escénicas" de Córdoba (Argentina).

Presenta: Pau Llacuna i Ortínez 

Publicación de Artezblai

“Bendita Gloria”
Autor: Juan G.Larrondo

Presenta: Carlos Gil y Juan G. Larrondo

Reunión Plenaria de la Red Andaluza de Teatros Públicos “Enrédate”

ENCUENTRO

Este programa, sucesor del Circuito de Espacios Escénicos Andaluces (1998), nace con dos objetivos fundamentales: apoyar a los municipios andaluces en su labor de programar de manera estable los diferentes espacios escénicos, deseando que las artes escénicas y la música lleguen a todos los ciudadanos independientemente del lugar donde vivan; y consolidar la profesionalización de los Gestores Culturales integrantes de los espacios escénicos públicos, contribuyendo al intercambio de buenas prácticas entre gestores de espacios y agilizando las relaciones con el sector empresarial.

Está formada por 53 municipios de las 8 provincias Andaluzas. En  2016 se realizaron un total de 596 funciones de 213 espectáculos y 183 compañías. Alcanzaron alrededor de los 90.000 espectadores.

Cada semestre se reúnen los responsables de programación de los diferentes teatros, en plenario junto con los técnicos de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, para evaluar los espectáculos que han cursado solicitud para entrar en la programación y recibir formación sobre temas de interés general.

Aunque la relación entre el Departamento de Enrédate y los Gestores de los Municipios es estrecha y habitual por teléfono o correos electrónicos, estas jornadas dan al Programa un rango de unión que no nos permite la distancia física. Ayuda a conocer a los Gestores de pueblos vecinos con los que pueden realizar actividades conjuntas y aunar esfuerzos e incluso compartir infraestructuras y recursos. Y por supuesto, nos pone al día en el uso de las herramientas fundamentales para la buena ejecución del programa.
Este semestre la reunión plenaria se llevará a cabo en el marco del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, para aprovechar la riqueza del intercambio cultural y favorecer la asistencia a espectáculos difíciles de presenciar en nuestros escenarios.

Isabel Pérez Izquierdo
Coordinadora de Enrédate

Lugar: Hotel Tryp Cádiz La Caleta
Fecha: del 24 al 26 de octubre

Presentación Lysistrata

Presentación Lysistrata

Después de cerrar más de una década de trabajo con CHIRIGÓTICAS, las actrices y letristas de la compañía, Alejandra López, Teresa Quintero y Ana López Segovia, y la nueva incorporación, Rocío Segovia, nos unimos en un nuevo proyecto, LAS NIÑAS DE CÁDIZ. Con este nombre, homenaje explícito a las Puellae Gaditanae, artistas celebradísimas del Imperio Romano, queremos volver a trabajar desde las raíces, pero recobrando el pálpito que latía en nuestros orígenes con La Chirigota de las Niñas. Un pálpito popular sin complejos, desvergonzado, irreverente y provocador.
Para encauzar escénicamente nuestro trabajo, vamos a partir de la obra LYSISTRATA, del comediógrafo griego Aristófanes. Nadie mejor que él para ser nuestro guía, al tratarse del máximo representante de, permítannos la familiaridad, la poca vergüenza clásica. 

Sinopsis del proyecto:
Hace 2400 años el mundo estaba en guerra. Hoy, tanto tiempo después, el mundo sigue en guerra. El ser humano no aprende. Sorprende y entristece encontrarse con textos como LYSÍSTRATA, donde encontramos los mismos vicios, los mismos odios, la misma prepotencia, el mismo lamento de los débiles… Quizá sea porque nunca nos hayamos decidido a llevar a cabo el plan de la protagonista de esta historia: una huelga de sexo que no terminará hasta que los hombres firmen la paz. Humor, música, irreverencia, carnaval, pasión, libertad… Esta es la propuesta de LAS NIÑAS DE CÁDIZ para uno de los clásicos universales de la escena, que reinterpretamos desde nuestro particular punto de vista, sin prejuicios y lleno de entusiasmo.

Lugar: Casa de Iberoamérica
Fecha: 26 de octubre
Hora: 12:30 a 14:00

Presentación Asociación de Autores

La Asociación de Actores y Actrices de Cádiz recoge de la mano del FIT la excelente oportunidad de presentarse al público en general y a la profesión en particular. Qué mejor espacio donde mostrar nuestros fines que en una fiesta del teatro que ha visto crecer a muchos de nuestros afiliados. Con nueve meses de andadura, la Asociación nace con el propósito necesario de ser un punto de encuentro entre los actores y actrices profesionales afincados en Cádiz y, dado el éxito de la propuesta, de la provincia.

La Asociación surge entre otros fines para poner remedio a la diáspora que la profesión ha sufrido en nuestra ciudad creando redes y proyectos conjuntos e individuales que ayuden a subsanar, por qué no decirlo, la precaria situación del sector. Defender prioritariamente los derechos de las actrices y actores, contribuir al desarrollo económico y cultural de la ciudad y participar en el desarrollo y mejora de las distintas políticas culturales, son objetivos fundamentales de esta comunidad.

Desde este mirador del teatro que es el FIT queremos compartir nuestra breve pero rica experiencia como colectivo para seguir creciendo. Deseamos compartir con otras asociaciones, empresas, compañías teatrales, administraciones… proyectos que sigan generando tejido en las artes escénicas. Aspiramos a aportar nuestros anhelos a la infinita fascinante vida del teatro ya que como Shylocks gaditanos, “si nos pinchan… ¿no sangramos?”

Lugar: Casa de Iberoamérica
Fecha: 24 octubre
Hora: 12:30 a 13:30

La improvisación como herramienta de creación

La improvisación como herramienta de creación

TALLER DE IMPRO

A través del juego conoceremos las herramientas necesarias para improvisar teatro.

Entrenamiento de la Aceptación, con la cual conoceremos el caudal de motores que construyen una historia en común con otros improvisadores.

Desarrollo de la escucha dramática, con la que actuamos como detectives buscando pistas que nos conduzcan a la historia que está surgiendo en el momento. 

Aprenderemos a escuchar lo que conviene a la historia.

Descubriremos al improvisador como un generador del accidente a través de la pasión. 

Profesores:
Osqui Guzmán y Leticia González de Lellise (Argentina)

Lugar: Centro Municipal de Artes Escénicas "Arbolí"
Fecha: 24, 25 y 26 de octubre
Hora: 11:00 a 14:00 (días 24 y 26) y 10:00 a 13:00 (día 25)

El manejo sensible de la marioneta

El manejo sensible de la marioneta

TALLER DE MARIONETAS

La mirada y el gesto de marionetas es la base de la investigación y experimentación de la artista brasileña Juliana Notari.

¿Cómo hacer viva la mirada fija de este objeto construido? ¿Cómo donar la mirada del manipulador al muñeco? ¿Cómo capturar la mirada del público a través de esta mirada fabricada?

Para Juliana Notari, el proceso comienza con la fase de construcción de los ojos del muñeco (que para ella es el último en el proceso de construcción). Allí tiene la elección del material, la profundidad, la edad y el carácter del personaje. La vivacidad ya está en construcción. Poco después, es necesario trabajar el gesto minuciosamente para que este cuerpo se vuelva orgánico y así pueda comunicarse con el público. Es el momento de la construcción de una partitura del movimiento.

¿Qué es lo que este ser construido puede hacer? ¿Hasta dónde él puede expresarse, y cómo?

La mirada es traducida por el gesto. La mirada conduce al gesto, la emoción, la intención de la escena. Los movimientos descubiertos por esta partitura solo existen con la conducción de la mirada del muñeco. El mira y a continuación realiza la acción. Pero la acción debe ser esencial para que el público reconozca lo que se dice. El muñeco está a menudo acoplado al cuerpo del actor-manipulador, y esto hace que la donación se haya completado. Sucede una simbiosis con el objeto. Mas la esencia del gesto es tan importante y la mirada precisa es tan importante, porque el mínimo movimiento del actor es el mínimo movimiento del muñeco, ellos respiran juntos.

La base es el redescubrimiento del propio cuerpo como objeto de investigación para comprender el proceso de manipulación, transferencia de energía e intenciones.

Taller programado en el 21 Encuentro de Mujeres de Iberoamérica en las Artes Escénicas

Lugar: Centro Integral de la Mujer. Pza. del Palillero
Fecha: 23 al 25 de octubre
Hora: 10:00 a 14:00

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